青春电影开山鼻祖

这部电影是迄今为止在内地很难被发现的电影，偶然在卫视电影台看到，一直难以忘怀。很多人把《蓝色大门》奉为青春电影经典，却不知道在此之前还有这部电影首开青春之风，为日后的青春电影的发展奠定了不少不可或缺的元素。

唯一的遗憾只能是《晴天娃娃》影响力还达不到大陆。电影根据一部很受欢迎的网络小说改编，范植伟和李康宜那时候还没什么知名度，看起来都异常清纯。这是部充满青春气息的描写E世代生活的电影作品，作者范芷绮用充满村上春树味道的笔触生动地为我们描绘出了当今台湾校园的年轻人，导演陈义雄从网上看到这部小说之后，便萌生了将它搬上大银幕的想法，之后他花了1年的时间和作者通信联系，谈妥拍摄细节。

导演用高中生的生活、语言与观点微妙地描绘着一个云淡风清的小世界。成绩拔尖游泳出色的男生，数学低等动物般的女生，补课、社团、连暗恋都算不上的情窦初开，开头自顾自地就开始，结尾兀自地结束，与其说是无厘头，不如自己去揣摩。观众看到的是一部不流于过分伤感、充满恬淡风格的清新小品，如它的片名——《晴天娃娃》般晴朗和煦，是台湾同类型电影中难得一见的佳作。

从表演功力来看，《蓝色大门》里的桂纶镁与陈柏霖只能算是本色演出，范植伟与李康宜的表现远远优于前两者，在欲说还休间游刃有余。特别是李康宜以其自然松弛的表演和准确的肢体语言，将歆荷那种想爱不敢爱、却又暗暗期待与男主角见面的少女心情演得丝丝入扣，她因此获得了2000年台北电影节评选的年度最佳演员称号。

电影很单纯很干净，说不出的忧郁道不尽的感伤，用充满象征意义的晴天娃娃将女主角心中的少女情怀具体化，青春本质一览无遗。主创人员还原了一个最真实的青春心境，而不是做作的生搬硬套，这一点足以警醒后来青春电影的创作了。

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青春电影的延续与突破

《蓝色大门》正如其名，电影叙述主体依旧是一个小女生，带着淡淡的忧郁气质的小女生。青春的躁动与困惑，向往自己的自由又处处受世俗所缚，矛盾纠缠的青春懵懂岁月，仿照萨特《禁闭》的旋转木马式人物关系，清新淡雅的画面，散文似的情节，桂纶镁的如水清淡，陈柏霖的阳光无邪足以让大部分的观众缅怀青春年少。

从《晴天娃娃》到《蓝色大门》是一个质的飞跃，结局脱离了俗套的青春爱情，转向对人生困惑和成熟的思考，不经意间使电影变的深刻。《蓝色大门》是说不尽的，推开那扇门每个人各有所得，它也为后来的青春电影也埋下了一个同性恋题材的伏笔。

如果说《蓝色大门》里关于同性之爱部分的讨论像个穿露肩装脸有羞愧的中国少女，那么《十七岁的天空》就更像是一个西方少妇以坦胸露乳为荣了。电影塑造了一个灿烂美丽的同志乌托邦，这里没有传统的世俗观念，生来大家都是同志，异性恋早以被同性恋取代。电影至始至终都是阳光灿烂的，当然偶有几片乌云飘过，但依旧还是一个晴朗的天空，与《蓝色大门》的风格相比，《十七岁的天空》更像是一出喜剧，一出关于初恋热恋失恋复恋的爱情喜剧，看似无聊却又韵味无穷，即使你很不屑的对着它冷笑，你还是会有耐性把它看完，这就是它的魅力。

杨佑宁演的真好！一个纯净淳朴的处男，为了寻找真爱（当然是同性之爱），来到陌生的大都会，面对形形色色的诱惑，他毫不动容，他坚持认为爱是一种信仰，完好的保留着他的朋友送给他的“安全套”，这个安全套在某方面等于是他的处男膜，直到自己爱的人出现才把可以自己的第一次奉献出去。这部电影的导演是一个女生，她说直白加虚构加夸张也可以有新的含义，《十七岁的天空》就这样呈现在我们眼前。

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青春电影的徘徊不前

事实上，台湾青春电影除了上面这三部还可以谈外，其他的电影真的很一般，为赋新词强说愁的感觉很明显，剧情薄弱无力，各式的青春困惑与成长烦恼显然找不到更好的故事去表述，而人物形象塑造的平面化，加之演员演技的稚嫩与做作，水平实在无法与上世纪的候孝贤、杨德昌相比。同样是青春躁动，杨德昌手里的《牯岭街少年杀人事件》却把主题挖得如此深刻，出演时年龄仅为13岁的张震也能表演出一种少有的自然流露，导演的人生阅历对电影创作的重要性在此刻一览无疑。或许为了弥补剧情的不足，画面的美感、节奏地跳动、以爱情为主调、俊男美女的出演，追忆校园时光，使得台湾青春电影怎么看都像是超长版MV，而且是每部电影都很类似，假设在同个时间段连续看，会把情节都混在一起。 

 上面这四张剧照你能分别说出是哪四部电影吗？

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构成四元素之一：高中生活的框框

《晴天娃娃》与《蓝色大门》开创的校园时光让大部分观众共鸣不已，因此以高中时代为背景开始成为青春电影最津津乐道的一个方面，似乎80后的青葱时光就是穿着校服骑着单车斜挎着背包一方面在为联考打拼一方面又要分心在成长的烦恼上。《盛夏光年》与《夏天的尾巴》的是两部背景相同基调却截然相反的代表，前者像中学生作文，后者则更像小学生作文，这里没有要贬低《夏天的尾巴》的意思，只是电影的结尾主人公们在最后集体做了件好事并得到一种精神的升华，让我只能有这种想法。

回到高中生活的话题，这是一个很容易让人分心的学习高压阶段，台湾的联考并不比我们的高考轻松，读书与恋爱如何权衡成了一个很好玩的命题，导演们对此乐此不疲。《夏天的尾巴》里出现了畸形的师生恋，转而又演变为纯洁的同学恋，联考的压力好象还看不出来，只是看到了苛刻的老师因为学生功课不佳而把学生的梦想戮破。《盛夏光年》开始涉及到联考，一个卯足劲又联考失利的男生，一对混混过日却又考上大学的男女，性向与暧昧的复杂使这个三个人绑在一起，越挣扎越受伤。

《夏天的尾巴》延续《晴天娃娃》的初恋情结，并把友情的比例抬高了，四个爱好各异烦恼各异的高中生，因为误会走到一起，滋生一种近乎无聊而又做作的恋爱状态，结尾又演变成令人打呵欠的救人又救己的老套思路。说白了《夏天的尾巴》有想法要表现高中生活，却是在堆砌高中生活，找不到一个故事支撑点，结构敷衍。《盛夏光年》或许好一点，因为主角都比较有个性，他们的高中生活看起来也比《夏天的尾巴》有个性，更有看头。

《盛夏光年》也是改编自网络小说的电影，从网上的反应来看，这是部期待与现实极其存在差距的电影，甚至原作者都要跳出来为自己的作品辩护，可以说改编是失败的。我至今也搞不明白电影的结尾为什么会处理成这样？这是所谓的开放式结尾供观众自己去思考吗？我看未必，导演是到最后也把握不了局面了吧。我喜欢前半部分的中学生活的基调，带着台南的阳光气味，搞不懂后面上了大学为什么会演变成《春光乍泄》式的阴郁，是为了向王家卫“致敬”还是彻底的模仿？

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构成四元素之二：同性题材的热潮

从2000年到2007年之间，涉及同性题材的台湾青春电影不下7部，同性之爱在这一代早已不算秘密，更不是羞于启齿的话题。这是一个可以拿来讨论、把玩的话题。《蓝色大门》与《十七岁的天空》已经做的很好了，后面的电影比如《盛夏光年》、《刺青》其实只能是沦为陪衬。同性之爱是一个在现阶段始终是个敏感话题，处理的不好必将招来同性维权人士的抗议，比如《盛夏光年》招来骂名就是自找的，《刺青》也好不到哪里去。

这个题材处理的是否妥当要看导演的态度，他是否了解或者是否歧视同性之爱，《盛夏光年》从骨子里透露出一种异性歧视同性的味道，谈到为甚么安排两个男主角有这么一段“同志情”时，导演陈正道所说：“影片也许是要满足同志的部分想象，所以只好是同志了。”这是一个让大部分人吐血的答案，选择张孝全出演这个角色难道也只为了吸引同性？同性题材在台湾电影就变得如此低贱？仿佛主动送上门的妓女。

《刺青》的导演据说是同性恋，但我怀疑她是否也只是想利用同性之爱来吸引眼球，宏观上来讲《刺青》不是一部讲爱情的电影，而是一部讲内心创伤的电影。一个小女孩，电影里并没有透露她的性向，跟一个她可能以为是“哥哥”的人几面之缘，认定了是初恋，多年后找到这个“哥哥”，却是个女同志，然后就谁也拦不了的立刻投入到同性之爱中，多么扯蛋的同性故事。

至于像《单车上路》一度也被人贴上“同志电影”的标签，越看就越让人愤怒，到底是宣传的伎俩还是导演缺乏职业道德？

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构成四元素之三：远离城嚣的欲望

台湾电影出了名的节奏缓慢，特别是那些以台南为背景的电影更是如此，因为放着大把的好风光不加以欣赏岂不浪费？甚至于某些导演都说了，“台湾拥有丰富、美丽的自然景观，有百岳壮丽的山容，有环绕整个岛屿的澎湃海洋，还有缤纷多样的动植物生态，都是非常好的电影场景资源，为何没有导演愿意将她拍摄出来？在台湾电影如此低靡的景况下，其实更需要新的突破和可能性，把青春、阳光和美丽的景致带到观众的面前。”新浪潮时期的台湾电影因为题材主要以乡土文学为主，不得不选择乡下环境，而新世纪的青春电影似乎更像是看厌了大都市的高楼，小资情调作祟的城里人在做自己的乡下梦。

《夏天的尾巴》里干净清澈的小河，小孩子放纸船寄心事，女主角坐在木板桥上弹结他，男主角躺在上面用村上春树的书盖着头睡懒觉，然后他们手牵手玩初恋状态的亲亲；一望无垠的青绿稻田里农夫追打一个把球踢进来的男生。《五月之恋》里三义油桐花缤纷似雪，女孩走在落满花瓣的山间小路上尽情享受五月雪。《最遥远的距离》里男主角从台北一路走来，风光无限好。而《单车上路》与《练习曲》更是把台湾风光做电影主打，许多人看了之后不掩饰的骂，花钱为看电影不是看风光片。但换个角度思考，电影既然无剧情可看，有美丽风景不也是赏心悦目吗？当然这纯粹是一种自我安慰。

候孝贤是出了名的节奏慢，但他的电影有剧情、有看头。相比之下，新世纪的这帮青春导演似乎过于急功近利了，没有底蕴深厚的太极耍得再好看也没有威力。

《最遥远的距离》拍的很唯美，不管是在森林中倾听鸟叫还是夜晚篝火旁长谈，海景、山景、村景、街景，它已经勾起无数内地人士向往台湾游了。在电影里，三个都市人为了逃避现实的情感折磨选择远离城嚣。桂纶美与录音师选择逃离尚可以理解，那个心理咨询师一觉醒来坐一下突然收拾包裹就让人看得莫名其妙，如果不是在槟榔妹那里出现，根本搞不清他到底在干吗？电影缺乏叙事基础与技巧几乎是台湾青春电影的通病，如果说是导演想以景寓情，那真的是有点太看的起他们了。

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构成四元素之四：流行音乐的辅助

流行音乐已经成了台湾青春电影里不可少的元素，加上唯美的画面，青春电影似乎就是超长版MV。《十七岁的天空》、《五月之恋》、《盛夏光年》、《单车上路》、《刺青》、《沉睡的青春》、《夏天的尾巴》、《最遥远的距离》这些电影都有自己的原声大碟，清一色由流行歌曲组成。像《十七岁的天空》收录了洛克班、 B.A.D 、Tension 、戴佩妮 、江美琪的系列当红主打歌，电影时常音乐响起，或许可以掩盖主角们稚嫩的演技。或许在青春电影人固有的印象里，青春一定得跟流行音乐搭边。主角们喜欢玩音乐也玩得很有个性，看起来很酷很潇洒。

电影与流行音乐搭配，商业目的很明显。台湾流行音乐比电影市场要大的多，精心打造的音乐如果能够被观众所接受，届时电影票房也能有所保证，音乐成了电影宣传排头兵。这是电影人的初衷，但往往苍白无力的剧情使人只对原声乐印象深刻，比如《最遥远的距离》、《夏天的尾巴》，对电影失望的观众却对电影音乐情有独钟，都不知道这对电影来说是一个极大的讽刺还是一种苍白的安慰。也有个别电影反客为主的，比如《五月之恋》，整部电影给人感觉就像是五月天音乐的电影版合集MV，为五月天而专门拍摄的电影。五月天的歌迷当然开心，但电影此时又能把自己放在什么位置？

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台湾电影新世纪的困局

为什么会产生这么一代青春电影？为什么台湾电影的断代如此明显？

电影经费缺乏，单靠电影辅导金远远不够或许可以成为台湾新一代电影人面对责问的一个理由，但我认为缺乏学习兼且自身态度固执或许更可以拿来解释。

曾经的台湾电影是华语电影圈特别是文艺片中的一个旗帜，是风格最突出的华语电影。在上世纪八、九十年代出现了很多至今让人回味的经典作品，可台湾电影缺少一种承前启后的传统，新浪潮的大师们靠着自己摸爬打滚出来，当大师们有的与世长辞，有的执着于另类的个人风格，有的转向主流，有的没了动向，对于新一代的电影人来说，能留给他们的只是面前一座不可逾越的高山，而不是如何攀越高山的奥秘。

台湾青春一代很想与之前的电影前辈划清界线，《单车上路》的导演就公开说过，“长久以来，台湾的电影已经让人有了一种刻板印象，意即代表：枯燥沉闷、太过艺术、不容易看懂；拍摄的总是灰暗的都市街角、阴沉的场景；甚至连演员都是一贯的老面孔，拍不出新意来。”后辈这样的态度又如何能让他们平心静气的学习前辈呢？年轻一代不愿意再苦大深仇似的面对生活面对社会，忽略了或者抛弃一切外在因素转而向自己心灵探究，我们能看到的就是一些泛滥的矫情片。

或者我们不该过去苛责台湾青春电影人们，毕竟他们是出于一种对电影的热爱在行动。金城武拍过一个广告，广告词是这么说的，“有一条通往成功的路叫进取，进取路上的旅程叫享受。”无论最后青春电影是否能够成功，是否可以像他们的前辈一样打出属于自己的一片天地，我们相信他们的态度以及他们对电影的热情。即使没有得到太多回报，即使收获更多苛责，也希望他们能有广告里的心态，把一切当成享受。

最后的结束我想打个比喻，如果商业大片是山珍海味、是大餐的话，那么以候孝贤、杨德昌为代表的台湾电影更像是粗粮，一个时代的记忆，营养无穷。台湾的青春电影则像是蔬菜沙拉，不是人人都喜欢，也不会拿它顶饭，但偶尔吃上几口，爽口又舒心。一昧吃大餐会厌；一昧忆苦会烦，就把青春电影当作是调剂吧，没可能要求过多，台湾青春电影即使毛病再多，也不需要对它的现状及前景过份忧愁，适当替它犹豫下也就够了，蔬菜沙拉就只是蔬菜加沙拉，别指望拌着拌着会有汉堡出现。

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